Una historia dramática en un show humorístico con un público activo

"Una diva, un show y una historia de la que serás parte", anuncia la producción de Última Canción en La Habana, un espectáculo varieté con tendencia al estilo y espíritu del formato café concert, con dos funciones realizadas desde su estreno este año y con tres funciones por realizar el sábado 27 de octubre y el sábado 3 y 17 de noviembre a las 22.30 hs en The House Bracco (Buenos Aires 1064). La obra está dirigida por Gigí Barrúa y cuenta con las actuaciones de Chula Vagione, Diego Moset y Mario Romeu.

Por Andy Belguich

Un espectáculo familiar cargado de humor en su forma con una pequeña historia dramática de fondo. Hay un contexto geográfico y temporal. Son los años `50 y estamos en Cuba con Fulgencio Batista al gobierno en medio de un evento artístico en un teatro en donde se desplaza una sexy y sensual cantante de boleros presentada por un mago que deslumbra con sus famosos trucos. Ambos son interrumpidos permanentemente por un inspector proveniente de los servicios de inteligencia que sospecha la presencia de enemigos del gobierno infiltrados entre el público. La música, la escenografía y la puesta en escena viajan en la misma sintonía.

¿Cuál fue tu desafío como directora?

Gigí Barúa: Yo empecé con esto que ya venía en proceso, o sea los chicos ya tenían la idea, tenían los textos, tenían trabajados los personajes, faltaba hacer un cierre a algunas escenas, algo más actoral, más desde lo chiquitito y bueno, yo estuve trabajando en estos últimos dos meses justamente para hacer eso. La cuestión más minuciosa, de pequeños detalles, mi trabajo fue llevado más a la acción dramática de todas las escenas. Aunque la escena sea chiquita, en cada una de ellas hay un mundo y yo trabajé sobre eso. Después la idea general estaba. La idea del comic ya estaba, ¿viste que aparece todo un mundo de comics ahí? De juegos también, que si bien ya estaba propuesto, faltaba desarrollarla. Yo lo desarrollé y fue muy fácil mi trabajo porque ya veníamos en un proceso de dos años de trabajar textos, de tener ideas de personajes así que agarré el final y fue como decir “bueno, ahora terminemos de preparar la torta y terminemos de decorarla” porque ya tenía todos los condimentos, estaba todo armado, así que fluyó todo rápido.

¿Cómo fueron los ensayos?

G. B: Mirá, se dio una cosita, yo hace un año atrás había visto un ensayo con otros actores y era una obra diferente. A veces viste que también pasa eso, tener a un actor diferente hace que los personajes sean diferentes, salvo el caso de Chula (Vagione) que interpreta a “Lupita”, la cantante, Chula cantaba igual, y ya me había gustado el trabajo y no tenía el final, no tenía algunas escenas resueltas pero el trabajo me había parecido interesante, me gustó la dinámica y cuando me propusieron terminar esto yo tenía muy claro porque ellos tenían muy claro lo que querían, entonces terminé de resolver la acción.

La parte técnica…

Sí, mi intervención fue más bien técnica. “La mirada va para acá, la mano va para allá”. Los movimientos, donde están ubicados los actores, qué hacen, cuándo lo hacen, todo está organizado. Eso para mí le da un plus de seguridad al actor y también a la obra. Aunque parezcan algunos momentos caóticos, el caos está organizado.

Algunas escenas dependen de la reacción del público, lo cual conlleva un margen para la improvisación…

G.B: Claro, también hay un espacio para improvisar. Hay momentos donde se puede improvisar tanto que hay una escena que se llama “la escena de la improvisación”, nosotros la llamamos “la escena bache”. La gente dice “ay, mirá que bien que resolvió el bache”. No era un bache, estaba pensado también. Hasta los momentos de improvisación estaban pensados y organizados.

El sábado 27 de este mes hacen su tercera función, ¿ya tienen fechas para noviembre?

Mario Romeu: Si, el sábado 3 y el 17 de noviembre también a las 20.30 hs en The House Bracco (Buenos Aires 1064).

G.B: Él escribió la obra (señala a Mario)

M.R: La idea fue crear un ambiente en donde el público se sienta protagonista de un varieté que tiene canciones, piezas de magia y hay una pequeña historia dramática.

Y un contexto temporal…

M.R: Y un contexto temporal, exactamente.

La vida de Alejandro Magno al musical

Alejandro Magno, el rey de Macedonia, otra vez en el teatro con un musical que dejará al descubierto las verdaderas pasiones de quienes lo “amaron”. Una obra de Marcelo Rosa y Fernando Bachella con adaptación de Matt Lo Cascio.

Por Andy Belguich

Magno, la leyenda continúa, una producción del Grupo Arden que pone en escena la magnífica y perturbadora vida de Alejandro Magno. Conspiraciones, venganza, muertes, odio y amor, en una biografía no autorizada de quien supo conquistar Asia pero no pudo tomar el control de su vida, según describe la sinopsis de la obra musical dirigida por Matt Lo Cascio y Andrea Narvarte, con la asistencia de dirección de Nuris Pampiglioni y las actuaciones de Gabriela Obregón, Luciana Rodríguez, Rubén Deninno, Pablo Herrero, Franco Lesgart, Marcelo Longhi, Claudio Pavanetto y Agostina Cisnero. Quedan tres funciones los domingos a las 20.30 hs en La Sonrisa de Beckett (Entre Ríos 1051).

¿Por qué la elección de Alejandro Magno para ser el centro de la propuesta y cómo fue el entrenamiento con los actores?

Matt Lo Cascio: En primera instancia, yo no tenía planificado hacer ninguna obra este año hasta que vino Luciana Rodríguez que hace de Olimpia, la mama de Alejandro y nos ofreció a mí y a Andrea Narvarte, la otra directora, hacer una obra que ya existía desde el 2006, que se llamaba “Magno, un musical”. Nos trajo un libreto, nos pareció una figura interesante que no había visto nunca, más allá de Calígula, Alejandro Magno. Si bien Calígula retoma la figura, de hecho lo envidia mucho a Alejandro Magno, el busto conocido de Alejandro Magno tiene la nariz rota por Calígula, sus historias son muy similares, son dos personas que fueron enloqueciendo de alguna manera con el paso del tiempo. Si bien Alejandro Magno era un estratega increíble, evidentemente, había algo de su vida que lo estaba descarrilando un poquito, y me pareció interesante más que nada, no por Alejandro Magno, sino por todos los personajes que lo rodean. Cada personaje tiene su importancia y me pareció con mucho más textura los personajes que no fueran Alejandro Magno que Alejandro Magno. Como si Alejandro Magno fuera un rompecabezas que se forma con las partecitas de la gente que lo rodea y se va formando, primero con las ideas de su madre, el inculcarle que es hijo de Zeus, su padre, el querer hacerlo guerrero, Hefestión, en querer darle amor puro, que se deje querer, que quiera, Roxana, con algunos intereses extraños en la historia real pero acá casi con mucho amor; y cada personaje quiere algo del otro. Entonces me pareció mucho más interesante eso que la figura de Alejandro Magno así que nos dedicamos con Andrea (Narvarte) a trabajar ahí y a partir de esa decisión de adaptarlo porque en el texto la mayor parte de las cosas no estaban en la parte teatral, buscamos a los chicos que actúan por casting. Fuimos buscando en cada uno de los chicos, más allá de sus virtudes y de sus debilidades, que haya algo adentro de ellos que nosotros podamos explotar.

Trabajar sobre sus fuertes. En el caso de Agostina Cisnero (Roxana) el trabajo vocal por ejemplo…

M.L.C: Exacto. En el caso de Pablo Herrero (Alejandro Magno) el trabajo físico, en el caso de Pausanias esa tristeza y humillación, en el caso de Filipo ese porte de rey y del padre de todos, así te podría seguir enumerando a cada uno con sus virtudes. Fue un riesgo hacer esta obra y la verdad que ahora después del estreno te puedo decir que fue muy lindo, cómo que me siento orgulloso de ver lo que hicieron los chicos en vivo

¿Cuántas funciones quedan?

M.L.C: Quedan tres funciones más en La Sonrisa de Beckett (Entre Ríos 1051), los domingos 14. 21 y 28 de octubre a las 20.30 hs. Nosotros pedimos puntualidad más que nada porque es una obra larga, dura dos horas veinte, aproximadamente; y los sábados de noviembre (excepto el 17) vamos a estar a las 21 hs en el Teatro La Escalera (9 de julio 324).  

¿Qué serías capaz de hacer por un amigo?

Discepolín Vive – Teatro

Una comedia de la amistad que presenta a Jirafa y Gambetita, dos amigos que, de tan distintos, se piensan iguales y que darán la vida el uno por el otro. No lo pienses dos veces, una obra dirigida por Gonzalo Ortiz, con las actuaciones de Diego Enrique Lombardelli y Nicolás Ostoich, que se puede ver todos los sábados a las 22 hs en Teatro La Morada (San Martín 771).

Por Andy Belguich

Fotografía: Gonzalo Aranda

No lo pienses dos veces, una poesía de la amistad hecha comedia, dirigida por Gonzalo Ortiz y representada en el impecable trabajo actoral de Diego Enrique Lombardelli y Nicolás Ostoich, quiénes interpretan a Jirafa y Gambetita, una pareja de amigos fanáticos del futbol que fueron grandes jugadores en el club pero a causa de ciertos fracasos hoy se encuentran sin dinero y buscan soluciones impensadas para salvar el parripollo de Jirafa y poner en el geriátrico a la abuela de Gambetita.

¿Cuál fue tu búsqueda como director en No lo pienses dos veces?

Gonzalo Ortiz: La búsqueda fue simple, somos amigos, queremos hacer una obra juntos y ¿que nos une? el fútbol, el asado y la amistad. A partir de esa relación, empezamos a ensayar y surgió esta obra como creación grupal.

¿Cómo fue el trabajo actoral de ustedes en la composición de los personajes Jirafa y Gambetita? ¿Encuentran alguna identificación personal con ambos?

Nicolás Ostoich: En mi personaje (“Gambetita”) yo me basaba en mí mismo, un futbolista al borde del retiro, a ver cómo podía hacer corporalmente y cómo se podía manejar con Jirafa (Diego Lombardelli), que es un amigo de toda la vida, que fueron frustrados de chicos, que esperaban ser algo más y sin embargo no llegaron. Lo bueno que logramos con Diego (Lombardelli) es que ya nos conocíamos de antes y entonces hay una química muy buena al igual que con Gonzalo (Ortiz) que es el director. Eso yo creo que nos favorece a la hora de relacionarnos en escena. Sirve mucho ese contacto de alguien cercano, que uno es amigo y que ya sabe cómo propone.

 Diego E. Lombardelli: En el personaje mío que es Jirafa, un barrabrava, cuando empezamos a improvisarlo, buscamos palabras que identifiquen al estereotipo de barrabrava. El transero, el apretador, el heavy, el garca y en base a eso queríamos también corrernos de ese estereotipo y fui buscando por el otro lado, que a veces hasta se pone como un toque romántico o sentimental. Desde ahí fue la creación que fuimos construyendo. Un sentir mío que después fuimos compartiendo entre nosotros.

¿Cuántas funciones quedan?

G.O: Vamos a estar todos los sábados de octubre a las 22 hs acá en Teatro La Morada haciendo esta comedia de la amistad. Hasta dónde uno es capaz de llegar por un amigo y que quiere hacer realmente por un amigo y que no hace.

Amaro Lucano Rock Italiano festeja 16 años y presenta su nuevo disco

Discepolín Vive - Música

La banda liderada por Giuseppe Lioi festeja sus 16 años de trayectoria con la presentación oficial de Coscienza, su nuevo material de estudio hoy a las 22 hs en The Wall (Buenos Aires 912).

Amaro Lucano Rock Italiano es una banda que se formó en 2002 con canciones cantadas en idioma italiano y que lleva 16 años difundiendo el rock y la cultura italiana en Argentina. Su música varía entre canciones propias y de otros intérpretes cómo Premiata Fornería Marconi, Luciano Ligabue, Piero Pelú, Vasco Rossi y Timoria. 
Amaro Lucano está integrada por José Lioi “Giuseppe” en voz y guitarra, Leonardo Ranea en bajo y coros, José A. Lioi (H) guitarra y coros, Alfredo Reyes en Guitarra y  Canu Lioi en batería. 

+ INFO:
http://amarolucano.blogspot.com/
https://www.facebook.com/amarolucanorockitaliano/

Carlos Romagnoli: “La gente vive en una historia contada y después la replican”

Discepolín Vive - Teatro

Una adaptación de “La obra innombrable” de W. Shakespeare. Una trama que se desarrolla en un lejano pasado pero que bien puede reflejar la historia actual de cualquier personaje que intente obtener determinado tipo de poder a cualquier costo.

Por Andrés Venier

El personaje de Macbeth se debate entre la sugestión y la locura de sus actos, llevado por sus ansias de poder y en busca de un destino de grandeza.

El vestuario refleja fielmente a la época que alude la obra. Cabe destacar lo bien logrado de los objetos y efectos que intervienen en escena, junto con las luces, el sonido y la iluminación creando una atmósfera que nos transporta hacia la antigua Escocia.

Carlos Romagnoli, director de “MKB, la trama escocesa”, habló con Discepolín Vive! sobre la obra.

DV: ¿Cuál es el comienzo que dispara la trama?

CR: La obra se trata sensiblemente de un personaje, en este caso Macbeth, que recibe el anuncio de unas señoras parecidas a unas brujas, augurándoles que va a ser rey. Esto lo sorprende y una vez que se lo comunica a su señora, hacen todos los desastres necesarios para que eso suceda y después todo se los devuelve.

DV: ¿Encontrás algún paralelismo (salvando las distancias) de lo que le ocurre a Macbeth con algunos personajes actuales, sobre todo algunos mandatarios de algunos países?

CR: Yo creo que por ser un clásico, por ser lo que es, obviamente tienen la particularidad de ser actuales todo el tiempo. Porque todo el tiempo están hablando sobre la naturaleza humana, cosa que evidentemente no terminamos de cambiar, porque es una obra de 400 años y así como los griegos hace 2500 años. Nosotros tecnológicamente cambiamos muchísimo, intelectualmente cambiamos muchísimo pero evidentemente como naturaleza humana siempre estamos en un lugar bastante cercano a la locura y siempre estamos peleando y luchando por el poder. Como si el poder significara algo en sí mismo. La obra trata sobre la sugestión, hoy en día te podría decir que los medios, sobre todo la televisión operan como entidades de sugestión, así como acá las brujas. Ese paralelismo es inevitable, la gente vive dentro de una historia contada y ellos después la replican como pasa con el personaje. A él lo sugestionan con algo, no en vano aparecen atrás de unos espejos que nos reflejan pero que al mismo tiempo nos cuentan y nos dicen haciéndonos parecer que nos reflejan. En realidad no es así, lo que reflejan es una realidad que en general es la que les conviene a ellos para poder jugar con las voluntades y las conciencias de la gente.

DV: Como una realidad virtual pero de aquella época.

CR: Claro, era muy adelantado Shakespeare en ese sentido, a eso voy cuando me refiero a la naturaleza humana en el sentido que la gente cree lo que quiere creer, a nosotros nos pasa. Yo no me escindo de la gente, tenemos esa comodidad, un lugar cómodo, una zona en que preferimos creer eso a tener una visión amplia y objetiva para poder saber a quién vamos a elegir o tener ahí adelante para que el país progrese y por lo tanto progrese uno. Uno no progresa solo, no estamos solos. Y también lo dice la obra ¿el poder para qué? porque una vez que lo tenes ¿Qué? ¿Cuál es el límite? ¿Dónde está el límite?

Hay gente que sufre para que vos tengas más poder ¿Y qué hacen con eso? Porque te vas a ir al mismo lugar que nos vamos a ir todos. Y esta bueno irse a ese lugar habiendo recorrido un camino más digno. No me resultan dignas esa personalidades, no tienen dignidad, tienen dinero nada más.  Acá es más complejo, no se trata de dinero, se trata de conseguir aquello que uno desea, pero lo consiguen sugestionados por algo que le dijeron los de afuera y obviamente eso que consiguen no tiene valor.

Por eso cuando alguien esta legítimamente puesto ahí tiene un valor, cuando esta puesto de una manera algo rara o emparchada, tiene otro valor y es lo que estamos viviendo en este momento.

DV: Todo el arte en general ¿Está pasando una etapa más dura que hace un tiempo atrás?

CR: Inevitablemente el teatro está hecho por seres humanos, que es visto por otros seres humanos. Lo que tiene el teatro a diferencia del cine, la televisión o la radio, es que con el teatro no hay intermediarios. O sea la gente q está viendo a gente ahí,  viva y en ese momento. A todos nos pasa la realidad,  nos pasa uno cuando elige una obra consciente o inconscientemente o a través de su inconsciente. Cuando la lleva a la elección, es por todo lo que pasa, o te querés escapar de eso o lo querés poner de manifiesto. Eso ya depende de cada quien y quien la lleve adelante. Sí, las cosas están muy difíciles, uno trata de poner en escena actuaciones y una maquinaria compleja, todo lo más compleja posible dentro de las limitaciones económicas. Pero que sea algo atractivo, digno y estimulante para ver para poder atraer a la gente para que venga a vernos, porque inevitablemente dependemos como actores de la cultura de la gente. Toda la cultura está hecha por gente para la gente, si el espectador no esta no hay obra.   

La obra “MKB, la trama escocesa” adaptación de Macbeth de W Shakespeare, con dirección de Carlos Romagnoli, se presenta todos los sábados de junio a las 21 hs en el Teatro “La escalera” (9 de julio 324). Actúan: Marcela Espíndola Galante, Nacho Farías, Germán Germinale, Marcelo Pucheta, Nicolás Jaworski.

Diseño y composición de vestuario: Germán Germinale y Lorena Fenoglio.

Creación e intervención de objetos: Marcelo Pucheta.

Escenografía: Carlos Romagnoli.

Diseño de luces: Mafer Weber y Sol Diaz Puig.

Asistente de dirección: Nacho Farías.

Producción general: La escalera.

Emilia Mazer: “A través de Lucy me permito ser más yo que nunca”

Discepolín Vive - Teatro

Emilia Mazer llega a Rosario para presentar Buscando a Madonna en el Teatro Empleados de Comercio.

Por Andy Belguich

La actriz regresa a la ciudad con el unipersonal Buscando a Madonna de Enrique Medina, el viernes 1 y sábado 2 de junio a las 21 hs en el Teatro Empleados de Comercio (Corrientes 450). 

Desde el humor y con un lenguaje encendido expone una mirada social sobre la realidad actual a través de Lucy, una adolescente de 16 años que fue criada en el conurbano bonaerense, trabaja en los colectivos vendiendo estampitas de San Cayetano para ayudar a su familia y fantasea con ser una estrella como Madonna y vivir una realidad totalmente distinta.

Buscando a Madonna es una comedia dramática que se estrenó en 1994 en el Paseo La Plaza y luego de varias presentaciones en todo el país la obra se expandió y llegó a dar presentaciones en distintos espacios y proyecciones en Uruguay y España. Fue reestrenada en 2014 en la Sala 4 Elementos de Mar del Plata y durante ese año también se realizaron funciones en la Sala Cortazar del Paseo La Plaza en Buenos Aires. En abril de este año Emilia Mazer realizó cuatro funciones en el Teatro Regina en la ciudad de Buenos Aires.

¿Cómo es hacer Buscando a Madonna hoy a 24 años de su estreno?

La obra la volví a hacer hace cinco años pero ahora la aggiorné, la readapté y ahora la produce un productor rosarino que se llama Julio Belando junto a Adrián Ramírez y el diseño de luces lo hace Marcelo López Carilo que es mi asistente. En Buenos Aires hicimos cuatro únicas funciones en el Teatro Regina. No estoy haciendo una gira en este momento porque paralelamente voy a estrenar el 17 de junio Derechas que es la nueva obra de José María Muscari que dirige junto a otra diez actrices pero antes no quería dejar de llevar a Buscando a Madonna a Rosario.

Madonna como pretexto

Lucy es una adolescente de 16 años muy influenciada por los medios, por las redes sociales y sobre todo por su sueño de parecerse a su ídola y su realidad es bastante opuesta. Madonna en realidad es un pretexto para hablar de Lucy a la cual desde mis 50 años trato de acercarme a la mente de esa chica. Habla de su familia, de cómo fue criada, de cómo es criarse en la calle. Ella pertenece a una clase media desmoronada a partir del sueño de pertenecer al primer mundo. Para mí Lucy es una metáfora de la Argentina, a través del lenguaje de una adolescente con su mirada ingenua, ácida y también contundente de la realidad en la cual está inmersa. Es un lenguaje fuerte en dónde la violencia, el humor, el sexo, la política, lo social, la muerte, la vida atraviesa su discurso.

Técnica, expresión corporal, música, iluminación

Todo lo que hago desde la música y desde la coreografía son fantasías de ella de parecerse a Madonna cuando se mete en algún tema difícil de transitar. Lucy fue una chica que sufrió abusos, habla de sus primeras relaciones sexuales, transita el suicidio de una adolescente víctima del bullying, tuvo diversas relaciones en dónde también sufrió maltrato repitiendo ciertos maltratos que vio en su vida, sale a la calle a ganarse el mango presionada por su madre para poder ayudar a su familia, entonces cuando se mete un poco en el lodo fantasea con tener otra realidad más luminosa. Yo no soy bailarina, no canto, no tiene que venir SADAIC a matarnos porque no hay un tema musical. Es un unipersonal que tiene elementos de musical, de Stand Up, de drama, de comedia a través de un monólogo en donde Lucy cuenta su realidad, su pasado, su presente, metiéndose en la piel de todos los componentes de su familia

Justicia Social

Esta identificación de ella con Madonna en realidad lo que se identifica es con Evita, como Madonna hizo a Evita cuando vino a la Argentina. Madonna es la razón de su vida y la razón de la vida de Evita es poder hacer algo por la injusticia social y en definitiva esa chica que reparte estampitas de San Cayetano en los colectivos tiene un sentimiento en común con Evita y con Madonna que es poder hacer algo por la injusticia social, una injusticia que vive día a día, que no se la contaron.

Luego de haber sufrido todo tipo de maltratos ¿Qué posición tiene Lucy hoy con el empoderamiento femenino y la movida cultural del colectivo Ni Una Menos?

Lucy se empoderó en este momento en el que las mujeres levantan sus voces y se unen en un movimiento que no sólo ocurre acá sino que es un movimiento mundial y a veces en defensa de algunas leyes como es la del aborto legal y eso a Lucy también la atraviesa pero tampoco es una obra con una mirada feminista. Tiene una mirada social porque así como está el padre que la maltrató a ella y a su madre, hay un padre que se quedó sin trabajo en el 2001 y que le robaron un taxi, esto lo conté en los noventa, a principios del 2000 conté otra cosa y ahora también cuenta algo con una actualidad que da escalofríos.

Compensación artística

La sorpresa más gratificante que recibí fueron los comentarios de mis alumnas de 12 años siendo que no es una obra para niños y el hecho de que se identificaran y que a mi edad yo pueda llegar al corazón de una adolescente es mi satisfacción artística más enorme. 

Buscando a Madonna me da la posibilidad de no callarme nada. A través de esa adolescente también me permito ser más yo que nunca.

Minoría Activa presenta “Involución” en Rosario

Discepolín Vive – Música

La banda legendaria del hardcore nacional viene a Rosario a presentar “Involución” su último trabajo junto a Tribu Deem y En Tu Cara en el marco de la apertura de “Rosario Hardcore”.

“Rosario Hardcore” abre su primera fecha con Minoría Activa (Buenos Aires) junto a Tribu Deem y En Tu Cara el sábado 31 de marzo a las 23.30 hs en Floyd Pub (Dorrego 1362). Anticipadas disponibles en Donnington (Sarmiento 920) a $150.

“Rosario Hardcore” es un espacio creado para visibilizar la movida del género en Rosario. Los organizadores Eliana Soledad Pacheco, Cristian Albornoz y Andy Belguich integran “PyA Producciones”, una productora fundada en septiembre de 2017 que ofrece a las bandas beneficios como la grabación del disco, la realización de videoclips y la participación en giras dentro y fuera del país, y que además de no tener que pagar para tocar ni rendir entradas, cada show dispone de un paquete que incluye cobertura fotográfica, catering y difusión.